Schiller: Toda poesía debe tener como contenido lo infinito

Schiller afirma que toda poesía debe tener como contenido lo infinito; pero que esto se puede conseguir de dos maneras: un infinito por la forma (poeta ingenuo) o un infinito por la materia (poeta sentimental). Al ingenuo la naturaleza le permite conseguir su objetivo porque es infinita en su forma, sin embargo para el sentimental constituye una limitación, ya que debe otorgar al objeto un contenido absoluto.

http://www.ucm.es/info/especulo/numero25/schiller.html

Contemporary Outlook at the MFA - Arts

Contemporary Outlook at the MFA - Arts

Schopenhauer: serie de tiempo infinita

Cada uno debe, pues, concebirse a sí mismo como un ser necesario, es decir, como un ser cuya auténtica definición, cuya definición adecuada, por poco que pueda llegar a formularse ésta, debería acarrear ya la existencia. En este orden de pensamientos se encuentra realmente la única prueba inmanente, es decir, contenida en el ámbito de los datos de la experiencia, que pueda alegarse sobre la inmutabilidad de nuestro verdadero ser. La existencia, efectivamente, debe ser inherente a él, puesto que se muestra independiente de todos los posibles estados, traídos consigo por la cadena de las causas, porque esos estados ya han encontrado su realización y nuestra existencia ha permanecido con todo y con ello incólume a su choque, como un rayo de luz ante la tormenta que atraviesa. Si por sus propias fuerzas pudiera conducirnos el tiempo a un estado de bienaventuranza, ya lo habríamos alcanzado hace largo tiempo, porque detrás de nosotros se extiende un número infinito de siglos. Pero de igual modo si pudiera llevarnos a la destrucción, haría tiempo que no estaríamos aquí. Lo que ahora somos resulta, bien mirado, que debemos seguir siéndolo en todo tiempo, porque somos el propio ser que ha recogido el tiempo para colmar su propio vacío; por dicha causa ese ser llena la totalidad del tiempo, presente, pasado y futuro de igual modo, y por eso también nos es imposible caer fuera de la existencia y fuera del espacio. Mirando bien las cosas, es inconcebible que lo que una vez existe en toda la fuerza de la realidad deba un día quedar reducido a nada, y luego deje de ser durante un tiempo infinito. De aquí resulta para los cristianos la doctrina de la resurrección universal; para los hindúes, la de la creación del mundo por Brahma, renovada una y otra vez, sin contar todos los dogmas semejantes de los filósofos griegos. El gran misterio de nuestro ser y nuestro no-ser, cuya explicación ha suscitado estos dogmas y todos los otros parecidos, tiene como fundamento último el que la misma cosa que objetivamente constituye una serie de tiempo infinita, no es subjetivamente más que un punto, un presente indivisible y siempre existente; pero ¿quién puede entenderlo?

El mundo como voluntad y representación
p.237-241 de la selección de Michel Piclin,
Schopenhauer, EDAF, Madrid 1975

Disponible en: http://www.nietzscheana.com.ar/textos_de_schopenhauer.htm

Yayoi Kusama is everywhere (USA 2007)

***Peter Blum SOHO Gallery, New York, NY I have been making prints ever since I was captivated by their allure, and am constantly overwhelmed by the brilliance arising from within the process of making them. - Yayoi Kusama

Peter Blum Gallery is pleased to announce the exhibition Yayoi Kusama Prints from 1982 to 2004, at Peter Blum SoHo, 99 Wooster Street, New York. This is the first survey of Kusama's prints in the United States. On view will be a selection of over 20 years of her print works, including etchings, lithographs, and silkscreens. Kusama's prints reflect ideas and themes found throughout her entire body of work. Her prints, like her work in other mediums, reveal her unique vision of the world. Kusama has said that from a young age she suffered from hallucinations, seeing auras and dots and hearing voices from plants and animals. Rather than battle with these visual and audible illusions, she painted and drew them. As a result, her characteristic imagery of infinity nets, monochrome colors, repetitive and abstract forms developed, and was often incorporated in her prints, installation, sculpture, painting, collage and performance. Furthermore, the repetitive process of printmaking and the idea of multiples appeal to her aesthetic. Yayoi Kusama was born in 1929 in Matsumoto-shi, Nagano-ken, Japan. She currently lives and works in Tokyo, Japan. She has exhibited extensively internationally, including a significant solo exhibition in 1989 at the Center for International Contemporary Arts, New York, and a major retrospective that traveled to the Los Angeles County Museum of Art, the Museum of Modern Art, the Walker Art Center and the Museum of Contemporary Art, Tokyo, in 1998-1999. In addition, Kusama was the representative artist for Japan in the 1993 Venice Biennial.
EXHIBITION AT PETER BLUM SOHOMay 24 - July 27, 2007EXTENDED (Following Summer Break) Open August 21-25YAYOI KUSAMA: Prints from 1982 to 2004 http://www.peterblumgallery.com/soho.html

***Museum of Fine Arts, Boston, MA: Contemporary Outlook: Japan ( July 2, 20 07 - February 10, 2008 ) Printable

In her series “The Artist Papers,” Kunie Sugiura makes life-sized photograms depicting characteristic gestures, performances, and actions by a variety of famous artists, including Takashi Murakami.
Since Japan dropped its longstanding policy of national isolation in the 1850s, there has been an immensely creative give-and-take between the cultures of Japan and the West. After World War II, especially, many Japanese artists began working in art forms derived from the international scene, moving away from local traditions. At the same time, traditional subject matter and styles endured. While some artists explored new and different motifs and styles using traditional media, others embraced Western materials, subject matters, and styles. This installation is by no means a complete review of recent art from Japan; instead it focuses on a few selected works created by artists of three recent generations. The first came of age directly after World War II; some are just coming to the world’s attention now. Strains of western styles and approaches like abstract expressionism, pop, “happenings,” minimalism, and feminist art can be seen here, but the results are also uniquely Japanese in concerns and approach. The works are the product of a particularly fertile period of artistic experimentation, one that generated a unique synthesis of ideas and forms from East and West. Artists in the exhibition include Yayoi Kusama, Takashi Murakami, Daido Moriyama, Mariko Mori, and Chinatsu Ban.Contemporary Outlook is an exciting new series of small focused exhibitions, drawn mainly from the MFA collections, that examines emerging trends, issues, ideas, and ways of looking at art and artists.

***Whitney Museum of American Art, New York, NY: Summer of Love: Art of the Psychedelic Era on view May 24, 2007 - September 16, 2007

Summer 2007 revisits the unprecedented explosion of contemporary art and popular culture brought about by the civil unrest and pervasive social change of the 1960s and early '70s, when a new psychedelic aesthetic emerged in art, music, film, architecture, graphic design, and fashion. The exhibition includes paintings, photographs and sculptures by Isaac Abrams, Richard Avedon, Lynda Benglis, Richard Hamilton, Elliott Landy, Jimi Hendrix (his only known watercolor), Robert Indiana, Yayoi Kusama, Richard Lindner, and John McCracken, among others, as well as a rich selection of important posters, album covers and underground magazines. A special emphasis is placed on environments as well as on film, video and multimedia installations, including works by Jordan Belson, USCO, Stan VanDerBeek, James Whitney, and Lamonte Young and Marian Zazeela. The exhibition includes films of performances and light shows, and spotlights places such as the UFO nightclub in London and the Human Be-In in San Francisco, featuring Allen Ginsberg and Timothy Leary. Organized by Tate Liverpool and originally presented there, the show has toured to the Kunsthalle Schirn Frankfurt and the Kunsthalle Wien.

Minujin y la eternidad

Monumento Contemplando la Eternidad, obra de Marta Minujín

“El arte es salirse de lo establecido, es entrar en la eternidad y la trascendencia”.

http://www.martaminujin.com/libro.html


Pionera del happening
En 1963, Marta Minujin realizó su primer happening en París. Luego de una exhibición, reunió toda su obra en un terreno baldío. Influenciada por el existencialismo francés y las nociones de la muerte del arte, invitó a la gente para destruirla. Muchos artistas y una curiosa audiencia llegaron hasta el lugar. Minujin pidió a los artistas que pinten sobre sus cuadros y esculturas, que modifiquen y eliminen con trazos apresurados las obras que había realizado en los últimos tres años. Que destruyan su identidad. Luego, les prendió fuego.
“Para cuando llegaron los bomberos ya se había armado el despelote”, recuerda. Tenía veinte años y, aunque en un lapso breve pasó por todo tipo de ismos, se reconocería en un particular tipo de arte pop que tenía mucho que ver con las más íntimas capas sensoriales. Y es que Minujin asegura que para ella lo esencial ha sido siempre vivir el arte. “Sentía que el arte era más importante para los seres humanos que aquella eternidad que algunos atesoran en museos y galerías; para mí, el arte era una manera de intensificar la vida, de tener impacto sobre el espectador, conmocionarlo y sacarlo de la inercia. ¿Para qué, entonces, iba a guardar mis trabajos? ¿Para que murieran en cementerios culturales, la eternidad que no me interesaba? Yo quería vivir y hacer que otros vivan”, escribiría sobre ese primer happening que marcó su carrera.



http://elvientre.wordpress.com/2007/03/06/cronica-prueba/

Picture by MBC, April 26, 2007 @ Fuerza Argentinos Exhibit @ Soho20, New York

Marta Minujín, Diana Dowek, Rosemarie Allers y Erik Adriaan var der Grijn, dieron el primer paso del proyecto "Fuerza Argentinos" para la difusión del arte argentino en Estados Unidos, con una exposición que se unaiguró el 26 de abril en la galería Soho20 de Nueva York.

I can´t believe I´m finally seeing Yayoi Kusama in New York!: From Here to Infinity

Hoy fui de casualidad a Barnes & Noble, y me puse a hojear revistas de arte. Agarre una pila interesante (aunque no infinita) y me sente en una mesita a leerlas tranquila. Ya me estaba por ir. Pero me faltaba una solita.

Como era finita, decidi mirarla. La abro y entre las primeras páginas mis ojitos leen"Yayoi Kusama". Si, Yayoi Kusama, cerquita de la palabra "Infinity" y "New York".





Tardo como 30 segundos en reaccionar y entender que es una propaganda de la Barbara Mathes Gallery y la exhibicion que inauguran el 19 de Abril de Yayoi Kusama! Si, si, Yayoi Kusama, en NY, hasta el 8 de Junio! Y por supuesto el título de la muestra es "From Here to Infinity"...

YAYOI KUSAMA: From Here to Eternity

April 19-June 8, 2007

Barbara Mathes Gallery

New York, NY

Yo ya me habia resignado con tener que conformarme con los pocos cuadritos que están en el MOMA (esta es la fotito de mi encuentro con una de esas obras).


Pero no... finalmente podré ver una muestra completa de Yayoi!

Y de yapa, mientras googleaba para buscar mas informacion de la muestra, me entero que en Mayo inauguran en el Whitney Museum of American Art, "Summer of Love: Art of the Psychedelic Era" una exhibicion que incluye obras de Yayoi, y se queda hasta September 16, 2007.

Summer of Love: Art of the Psychedelic Era
May 24-September 16, 2007
Whitney Museum of American Art

New York, NY

I can´t believe I´m finally seeing Yayoi Kusama!!!


More links about Yayoi Kusama in this blog:

I can´t believe I´m missing Yayoi Kusama in NY
Yayoi Kusama: biografía
Yayoi Kusama: infinitud y espejos
Yayoi Kusama: Fireflies on the Water
Infinity Dots Mirrored Room by Yayoi Kasuma
Yayoi me comprende
Bocetos de Yayoi para Marigu
Yayoi dentro de sus obras
Más de Yayoi Kusama

El infinito terminó con todo.

El infinito no tiene fin

Fuente: Lógica y paradojas
El reto supremo es lo imposible. Entre los desafíos intelectuales que se impone el hombre, pocos más enrevesados y peligrosos que el infinito o lo infinito, como quiera la exquisitez lingüística. Porque ¡ojo! suele ser fuente de obsesión e incluso locura para escritores y filósofos.
¿Qué es? ¿Cómo es? Los griegos antiguos le dedicaron la mayor atención. En el siglo V a.C. Zenón de Elea formuló su célebre paradoja de Aquiles y la tortuga. En una carrera el de los pies ligeros le da ventaja de diez metros (por decir algo) al animal. Aquiles, a su vez, corre diez veces más rápido que el quelonio.
Zenón asegura que el paladín nunca alcanza a su lenta contrincante. ¿Por qué? Aquiles avanza –por decir algo- seis metros; la tortuga 60 centímetros; el héroe se desplaza cuatro metros más, la del caparazón, 40 centímetros; el corredor avanza un centímetro, la tortuga un milímetro; nuestro héroe (trágico) un milímetro, su contrincante la décima parte de un milímetro. Aquiles siempre alcanzará la distancia recorrida por su lenta competidora, pero en la misma medida ésta avanzará una décima parte de la anterior.
Aunque física e intuitivamente es obvio que la sobrepasa, matemáticamente es impecable en afirmar que no. Dos mil años después (en los 1600) se desarrollaron las llamadas “series convergentes”, que relacionan una lista infinita con una finita. La paradoja halló una formulación más no una solución.
Jorge Luis Borges hizo al infinito protagonista de "El Aleph", uno de sus cuentos más celebrados. Una narración extraña, ligeramente vesánica, que súbitamente estalla en la mayor audacia literaria imaginable. En la base de una columna de cemento Borges observa el lugar "donde confluyen todos los puntos del universo". En un segundo -o menos- ve todas las cosas que han sido, son y serán "sin sobreposición y sin transparencia".
Números vesánicos
Menos afortunado fue Georg Cantor (1845-1918, en la foto), matemático alemán, que legó al mundo la teoría de los conjuntos. Cantor aplicó su metodología de relaciones biyectivas y sobreyectivas a las series convergentes, como la de Aquiles avanzando una unidad y la tortuga una décima. El resultado fue un campo matemático enteramente nuevo y con un nombre de leyenda: los números transfinitos, conceptualmente “más allá” de lo infinito y en esencia mayores.
Cada parte de un todo es igual al todo... o mayor. Entre dos números se dice que hay infinitos números. Ejemplo: entre 1 y 2 están 1,1; 1,2; 1,3... Pero Cantor afirma que hay "más que infinito", porque entre 1,1 y 1,2 están 1,10; 1,11; 1,12... Y entre 1,10 y 1,11 están 1,101; 1,102; 1,103... y así sucesivamente.
Cantor encontró que los infinitos derivados de series finitas eran “numerables”, es decir, podían corresponderse con la serie de números naturales (relación biyectiva). Por ejemplo: en 1, 2, 3 hay, al menos, dos series infinitas. La forma más elemental de infinito son los números naturales, de modo que podríamos decir que en 1, 2, 3 están escondidos tras las rendijas varios infinitos numerables. Entre cada dos números de cualquier serie infinita, hay una serie sin fin pero definible y así sucesivamente. A este tipo algo monótono de infinito Cantor lo llamó Aleph 1 (y de aquí quizá adivinemos de dónde sacó Borges el título de su über cuento), pero su afán de traslindar el sinfín cobró su precio. Dicen que cuando se asomó a los corredores del Aleph 2 enloqueció y terminó sus días en un asilo.
Recientemente ha sido desarrollado un nuevo campo numérico que dice enfrentar estos avatares: los números surreales. Dos matemáticos -uno norteamericano y el otro inglés- crearon un conjunto de números que no se comportan como los demás. En vez de ser unidades consecutivas, son como resortes que suben o bajan hasta adaptarse a los valores que dicten las ecuaciones. Todo esto porque cada unidad es infinita y se relaciona con las otras en formas que podrían enviarnos a nosotros, vulgares mortales de la matemática, a seguir los pasos de Cantor.
El infinito terminó con todo.

Ojos infinitos

Poema 20
Pablo Neruda, Chile 1904-1973

Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Escribir, por ejemplo: "La noche está estrellada,
y tiritan, azules, los astros, a lo lejos".
El viento de la noche gira en el cielo y canta.
Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Yo la quise, y a veces ella también me quiso.
En las noches como ésta la tuve entre mis brazos.
La besé tantas veces bajo el cielo infinito.
Ella me quiso, a veces yo también la quería.
Cómo no haber amado sus grandes ojos fijos.
Puedo escribir los versos más tristes esta noche.
Pensar que no la tengo. Sentir que la he perdido.
Oír la noche inmensa, más inmensa sin ella.
Y el verso cae al alma como al pasto el rocío.
Qué importa que mi amor no pudiera guardarla.
La noche está estrellada y ella no está conmigo.
Eso es todo. A lo lejos alguien canta. A lo lejos.
Mi alma no se contenta con haberla perdido.
Como para acercarla mi mirada la busca.
Mi corazón la busca, y ella no está conmigo.
La misma noche que hace blanquear los mismos árboles.
Nosotros, los de entonces, ya no somos los mismos.
Ya no la quiero, es cierto, pero cuánto la quise.
Mi voz buscaba el viento para tocar su oído.
De otro. Será de otro. Como antes de mis besos.
Su voz, su cuerpo claro. Sus ojos infinitos.
Ya no la quiero, es cierto, pero tal vez la quiero.
Es tan corto el amor, y es tan largo el olvido.
Porque en noches como ésta la tuve entre mis brazos,
mi alma no se contenta con haberla perdido.
Aunque éste sea el último dolor que ella me causa,
y estos sean los últimos versos que yo le escribo.

De Veinte poemas de amor y una canción desesperada, 1924.